几乎没有围墙的课堂，上课效果怎么样？

第一次采用“半开放式”的课堂布局，是BranD School的一次大胆尝试，也是我们向所有师生发出的一份“邀请”。

这份邀请，希望大家不局限于某一种视觉叙事方式，而是多看、多吸收。在开放、流动的场域里，学习、模拟、实践老师传授的方法，也大胆地与其他工作坊的学员交流碰撞。

对学员而言，这是一次信息密度极高的学习体验，也是一次刷新思考方式的起点。

对于艺术家 José Quintanar 而言，绘画并不是从拿起笔的瞬间开始。当他看到一个特别的光影、一件破碎的物品，甚至一个日常中容易被忽略的细节时，绘画其实已经开始发生。

在本次工作坊中，José并没有直接要求学生完成一件作品，而是带领大家从最基础的观察训练开始。

第一阶段，学员从照片中的风景出发，通过40根线条、20根线条、20秒创作、8根线条等不同限制练习，逐渐提炼视觉信息，将复杂的现实转化为更加纯粹的图形语言。随后，大家走出课堂，从生活中寻找10件物品，并将这些物品转化为创作工具，探索线条与形态的更多可能。

第二阶段，学员进一步将采集到的物件转化为“画尺”，利用自己设计的工具完成艺术书创作。每一条线、每一个图形，都来自个人观察与实验过程。

视觉语言策略工作坊 上课记录

Via BranD School

José的教学并不是告诉学生如何画出一个标准答案，而是鼓励大家通过规则和限制，发现意料之外的可能。

课堂中，一位学员创作时发现，马克笔留下的痕迹渗透到了桌面的纸板上，这些偶然产生的纹理最终反过来成为新的创作灵感，并被转化成作品的一部分。

对于José而言，设计并不是寻找一个固定结果，而是在不断观察、尝试与实验中，让新的视觉语言自然生长。

视觉语言策略工作坊 作品发表

Via BranD School

设计是否一定要从明确的目标开始？

在蔡秉禄老师的工作坊中，学员经历了一次不同寻常的创作过程。

课程初期，老师并没有要求大家立即完成一个商业设计作品，而是让学员通过墨水、纸张等材料进行自由探索，在没有预设答案的情况下创造随机肌理。这些看似偶然产生的痕迹，随后成为设计素材的一部分。

从第二阶段开始，学员进入网格化排版训练，借鉴瑞士国际主义设计体系，在明确规则下进行版式实验。字体、字号、粗细受到限制，但在框架之内，大家需要寻找属于自己的视觉表达方式。

文字与肌理的多层结构工作坊 上课记录

Via BranD School

最后，学员将前期产生的肌理素材与排版系统重新组合，完成个人海报作品。

这套教学逻辑的核心，并不是让学生学习某一种风格，而是理解设计中的“偶然”和“控制”如何共存。蔡秉禄老师希望学生意识到：设计并不总是从一个清晰的想法开始。有时候，创作需要先动手，在不断尝试中发现新的方向。

课堂之外，老师也投入了大量时间与学生交流。他不仅带领大家参观展览，还主动创造更多交流机会，让整个工作坊更像一次设计社群中的共同学习。

在他看来，每位学生都有自己的成长节奏。有些人在开始阶段并不突出，但随着不断尝试，作品会逐渐展现独特性。设计教育真正重要的，不只是教会学生完成一件作品，而是帮助他们建立持续创作的方法。

文字与肌理的多层结构工作坊 结课展示

Via BranD School

对于日本设计师前原翔一而言，真正重要的是：如何找到属于自己的表达方式。

在本次工作坊中，前原翔一从自己的创作经验出发，向学员分享了作品诞生的过程，以及如何通过直觉、偶然与个人经验，逐渐建立独特的视觉语言。

课程开始阶段，前原翔一首先带领学员了解自己的创作方法。他分享了多个代表作品背后的思考过程，包括为什么保留修改痕迹、为什么不轻易丢弃“不完美”的部分，以及如何让偶然产生的线条成为作品的一部分。

他也分享了自己的创作习惯：在日本家中创作时，并不局限于一张A3纸，而是会将多张纸铺开，用大型刷子进行绘画，让身体动作、材料与空间共同参与创作。

连接情绪的设计工作坊 上课记录

Via BranD School

在后续练习中，学员围绕“直觉与偶然”展开探索，通过不同阶段的绘画练习，逐渐摆脱对结果的控制，将注意力转向自身感受和表达方式。

课堂中，一位学员分享了自己围绕女儿成长经历创作的作品。最初，他尝试反复修改，希望找到最准确的表现方式。但最终，老师发现他第一次用20秒快速完成的线稿，反而最能体现他的个人特点。那种简单、直接的笔触，成为作品最真实的情感表达。

另一位没有绘画专业背景的学员，也在课程中不断突破自己的限制。面对“绘画”这件曾经让自己感到困难的事情，她始终保持积极尝试的态度，并最终找到属于自己的表达方式。

前原翔一特别强调：“我们已经不再是追求画得像、画得好的时代，而是需要学会表达自己。”

连接情绪的设计工作坊 结课展示

Via BranD School

在Ben Denzer的工作坊中，一张纸、一件日常物品，都可能成为讲述故事的媒介。

作为一名长期探索书籍、纸张与实体创作关系的艺术家，Ben并没有让学生从传统海报设计开始，而是从观察身边的物品开始。

起初，学员拆解纸盒，通过拍摄、处理、打印，再重新拼接，重新认识一个熟悉物件的结构。随后，他们进一步观察现实中的物体，例如垃圾桶、铅笔等，通过多角度拍摄，将二维图像转化为三维纸模型，并尝试改变物体原本的比例和形态。

在创作后期，学生开始从这些纸模型中寻找个人故事。有人围绕自己的生活空间展开创作，有人将旅行中的记忆转化为空间场景。

立体装置设计工作坊 上课记录

Via BranD School

最终，Ben引导大家通过摄影，将自己与作品结合，完成具有个人叙事性的三维海报。

课堂中，当学生问到“什么时候才能知道自己的作品已经做好了”，Ben分享了自己的理解：作品不断完善是没有终点的，但设计师需要学会在某个阶段停下来，与作品保持距离，重新观看它。

正如Ben在课堂中不断鼓励学生的：不要等待完美之后再开始，而是在实践中不断发现新的可能。

立体装置技法工作坊 结课展示

Via BranD School

在本次公开分享会上，四位来自不同文化背景的设计师与艺术家，从各自的创作经验出发，分享了关于视觉叙事、个人表达与创作方法的深入思考，也一起讨论了“设计师应如何找到自己的设计语言”

José Quintanar分享了自己的创作起点。他提到，绘画并不是从拿起笔的瞬间开始，而是在看到某个生活中的细微瞬间时，创作已经发生。对他而言，观察本身就是创作的一部分。

前原翔一则围绕“自我表达”展开分享。他认为，设计师不应停留在追求“画得像、画得好”的阶段，而应该找到属于自己的表达方式。比起寻找固定风格，更重要的是持续创作，在实践中逐渐发现自己的特点。

在分享会上，当Ben谈到设计语言的问题。他认为，设计师不需要过早执着于建立一种固定风格。

相比寻找一个所谓“属于自己的设计语言”，更重要的是不断去做、去积累作品。当创作经验足够丰富，个人偏好的材料、方法和表达方式自然会逐渐浮现。

而蔡秉禄则认为，从“寻找设计语言”的角度来看，设计师既要回应客户需求，也要持续进行属于自己的创作。由于商业项目往往时间有限，很难在短时间内完成真正深入的探索，因此他始终坚持利用工作之外的时间，把那些自己一直想尝试的想法、突如其来的灵感及时做出来，并逐渐积累成作品集。

基础叙事 设计分享会

Via BranD School

José Quintanar让设计师通过规则实验发现未知可能；蔡秉禄让大家在偶然与秩序之间寻找创造力；Ben Denzer重新打开了物与空间的叙事能力；前原翔一则引导设计师回到自身经验，寻找个人表达。

这个夏天，在BranD School里讨论的四种不同的方法，最终指向同一个问题：在AI越来越擅长生成图像的时代，设计师如何建立无法被复制的观察力、判断力与创造力。

下期精彩课程正在筹备中